Un largo año y una pandemia después, la atípica estatuilla levantada por Parasite persistía como un eco irreal. Erigida en medio de la recuperación inmunológica estadounidense, la 93° edición de los Oscar estaba señalada para quedar en la Historia ya sea por sus estrictos protocolos, la hermética presencialidad, la ausencia de conductores o la descentralización del evento (en el Teatro Dolby y la estación ferroviaria Union Station angelinos más algunas sucursales europeas).
Por otro lado, la lista de nominados se atenía a rajatabla a la agenda de género y racial preparando las hazañas estadísticas que tanto contentan al galardón centenario. Como nunca antes, el espectáculo debe continuar: con incontables salas de cine cerradas, rodajes y proyectos parados, la Academia mantuvo su rito de temporada con visos de una nueva normalidad que será ubicua y digital.
Luego de una grabada alfombra roja con distanciamiento físico y barbijos de fondo, la ceremonia mostró sus cartas a partir de las 21: se extendió sin pausas por poco más de tres horas, con bienvenida rapidez.
Más parecida a la entrega de los Martín Fierro en sus invitados plácidamente sentados alrededor de una mesa, por lo demás respetó la dinámica de anuncios de premios y la subida de ganadores al pequeño escenario.
Sin presentadores fijos, la entrega corrió por cuenta de figuras del medio: la directora Regina King de Una noche en Miami arrancó entregando el Oscar por mejor guion original a Emerald Fennell por la polémica Hermosa venganza, que así sugirió una tendencia que no encendió mella en rubros más destacados.
La mejor película en lengua extranjera resultó la danesa Otra ronda, reencuentro de Thomas Vinterberg con Mads Mikkelsen que guiña al suceso de La cacería (2012) y en el que se narra una picaresca adicción al alcohol. De frac blanco, el director invocó la primera escena emotiva al mencionar su propia caída en el alcohol y al llorar al recordar a su hija trágicamente fallecida.
Laura Dern apareció entre los invitados –colaborando a la estética de una velada íntimamente tridimensional– para entregar el premio a mejor actor de reparto.
El cantado galardón fue para Daniel Kaluuya (Huye), que hace del malogrado líder de Panteras Negras Fred Hampton en Judas y el mesías negro. Era una terna de mayoría afroamericana y Kaluuya la remató con un discurso de orgullo acorde.
La excepcionalidad se hizo sentir de principio a fin, entre la artificialidad distópica y el glamour de emergencia. Con la misma intensidad y a tono con años anteriores, la diversidad fue un concepto espectacular permanente.
Otro emblema de la negritud de época, La madre del blues (retrato de la cantante Ma Rainey) ganó el Oscar por mejor maquillaje y peinado y mejor vestuario en instantáneo doblete.
Con un premio benéfico otorgado por Bryan Cranston en medio, Bong Joon-Ho apareció hablando en coreano en una sala vacía acerca del arte de dirigir. Fue el preámbulo a la entrega del Oscar a mejor dirección a Chloé Zhao por Nomadland, confirmando los pronósticos que la favorecían.
Zhao dejó su prevista marca: es solo la segunda mujer en ganar en esa terna tras Kathryn Bigelow y la primera asiática; que el premio lo haya anunciado el realizador de Parasite no hizo sino trazar una línea con la entrega anterior.
Sonido latino
De diversidad camuflada, El sonido del metal –la rara avis entre los nominados– ganó por mejor sonido, en cuyo equipo trabajaron técnicos mejicanos (recibió otra estatuilla por mejor edición). Unos sobres más tarde Reese Witherspoon nombró a Soul mejor filme animado (triunfó igualmente por mejor banda sonora) aunque ratificando el amor de la Academia a Pixar antes que al primer protagonista negro de la compañía.
La posibilidad de un reconocimiento latino oficial se abrió con la categoría de mejor documental, donde competía la chilena El agente topo: el tierno filme de Maite Alberdi perdió frente a Mi maestro el pulpo, otro favorito, sobre el lazo afectivo entre un buzo y un molusco inteligente.
Ambos pueden apreciarse en Netflix: la película sudafricana de James Reed y Pippa Ehrlich era uno de los tantos exponentes presentes de la plataforma, que se vio beneficiada definitivamente por la pandemia en un año histórico en que los Oscar levantaron la exigencia del estreno en salas.
El premio a Zhao se complementó con el pintoresco Oscar a mejor actriz de reparto a la surcoreana veterana Yuh-Jung Youn, que hace de una impredecible abuela en Minari. “¿Cómo le puedo ganar a Glenn Close?”, se preguntó; se la receptó como la confesión más verosímil de la emisión.
Mank de David Fincher, que durante un tiempo fue favorita de la edición previo al ascenso de reconocimiento crítico de Nomadland, hizo honor a la máxima de 10 nominaciones llevándose transitoriamente un Oscar a mejor diseño de producción y otro por fotografía.
La oda agridulce en blanco y negro al Hollywood clásico que es asimismo un elogio al obrar de guionista había perdido peso ante el registro de pobreza anónima de Nomadland, que ganó efectivamente por mejor película.
La actriz Frances McDormand celebró el reconocimiento con un aullido de lobo y el imperativo de ir a ver todas las películas que compitieron en la terna.
Quedaban aún los premios protagónicos, entregados en un suspiro: la transmisión contrastó en ese sentido en rapidez y ligereza con la pompa usual.
Nomadland completó el dueto con el Oscar a McDormand –su tercero–, asimismo productora del filme. Y solo la estatuilla a Hopkins por The Father –ausente en la televisación– fue una sorpresa. Chadwick Boseman, del que se esperaba estatuilla póstuma por su músico desquiciado de La madre del blues, tuvo su momento al final del homenaje a los fallecidos en un plano que duró un instante de eternidad.
